The intention of this essay is to open up and understand, in resonance-theoretical terms, multi-layered musical approaches and thus the role of music for the late modern human being’s relationship with the world. It begins by introducing the core ideas of sociological resonance theory, as well as certain particularities of music as a resonance sphere. Resonance theory describes late modern humanity’s relationship with the world as predominantly instrumental, indifferent or alienated, as it revolves around the availability of the world, instrumentalisation, increase in resources and expansion of reach. Nonetheless, a relationship with the world is still possible in which the world, or sections of it, are experienced as an answering, living and touching Other. This resonant relationship with the world can be characterised via the aspects of affection, self-efficacy, transformation and unavailability. In the main part of the text, three dimensions of resonance are used to develop a systematics of music as a resonance sphere and elucidate it through examples from different musical areas: the diagonal dimension concerns experiences of resonance with sounds, instruments and musical apparatuses; the horizontal dimension concerns experiences of social resonance among musicians and between musicians and the audience; and the vertical dimension concerns the way music renders palpable the human relationship with the world as a whole. Finally, the authors discuss the relationship between resonance experiences and alienation, as well as questions of resonance for sensibilities. These reflections are intended to open up perspectives for a resonance-theoretically guided disclosure of musical approaches that enable a deeper understanding of music’s role in the human relationship with the world, and of the processes for developing and cultivating resonance for sensibilities and experiences of resonance.

Musik als Resonanzsphäre

Kierkegaard’s metaphor of the demonic, which he applies especially to the experience of music, is well-suited to elucidate critically the concepts of resonance currently under discussion in the social and cultural sciences and the humanities. The phenomena to which the metaphor of resonance is usually applied are largely the same ones that Kierkegaard, and Paul Tillich after him, attempt to understand via the demonic. Confronting resonance-oriented thought with the metaphor of the demonic using the same phenomena can reveal the blind spots and a number of the serious problems in conceptions of resonance, and allow them to be viewed from a different angle. This especially allows those implications of resonance which are frequently avoided to come into view. What is viewed as a connection to things in the world from the perspective of resonance often reveals itself, when viewed from the perspective of the demonic, as an illusion. In addition to a critique of resonance, this essay seeks to find a way into Kierkegaard’s complex philosophy of music.

Zu Kierkegaards Musikdenken. Oder: Resonanz als das Dämonische in der Musik

Metapherntanz auf dem Brocken

Eisler composed the six songs of the cycle <italic>Hölderlin Fragments </italic>in 1943, while exiled in California. Like his <italic>German Symphony</italic>, they are an expression of how he envisaged Germany in the shadow of the Battle of Stalingrad. He consciously continued along the path of this legacy while in exile by taking recourse to classical German literature: he adapted Hölderlin’s texts, reducing them to what, in 1943, he considered the essence of their content. The overall theme of the songs is a remembrance of the past, lost Germany, an idealised retrospective, but also a portrayal of the catastrophic present. The cycle does not display any continuous process; rather, Eisler places a central point of departure and precondition at the middle of the cycle: <italic>Elegy 43</italic> (originally titled <italic>Der Frieden </italic>[Peace]). This points to the date from which everything else that Eisler wishes to articulate through the Hölderlin fragments receives its »now« (Gregor Wittkop).

Die Hölderlin-Fragmente von Hanns Eisler

George Steiner, der Anwalt des Besonderen

Das Atmen lernen

Zum Tod von Martin Geck

Musik und Tanz 

Current discussions in the arts, sound studies and globalization contexts give the impression that both the concept of music and our perceptions of music are increasingly losing their distinctiveness. Added to this is the progressive dissolution of the distinction between art music and other kinds of music as well as the blurring of the boundaries between production and reception or professionalism and dilettantism in the wake of new digital music technologies. In order to understand the resulting new confusion, the paper uses approaches from differentiation theory. A critique of a modernization theory perspective based on Hegel, Max Weber and Niklas Luhmann then leads to a discussion of music in the light of recent sociological contributions by Andreas Reckwitz and Luc Boltanski/Arnaud Esquerre on understanding late capitalist present since about 1970.

Über musikalische Entdifferenzierung

Von der Ästhetik der Innerlichkeit zur Ästhetik des Abbildverbots

Wege zur Musikwissenschaft

Hermann Danuser über Metareferenzen

Was ist Metamusik?

Musik & Ästhetik, 2020, Jg. 24, Ausgabe 95

Kleine Erinnerung an Klaus Huber (1924-2017)

Für eine »Vernunft des Herzens«

Bruckner’s God: The Adagio of the Ninth Symphony Few figures in the Classical-Romantic tradition of music are viewed as religious composers to the same extent as Anton Bruckner, and few other œuvres are considered largely religious music to the same degree as his. The Adagio of the Ninth Symphony in D Minor is the last movement that Bruckner completed in the symphony he famously wanted to dedicate to his ›dear God‹. At the same time, it is the most radical and advanced music that Bruckner ever wrote. This article argues against both biographically-based religious interpretations and purely formal ones; instead, through an analysis of the structure and thematic development that deals with the musical facts and their resonances, it aims to find out what it might actually mean to speak of the religious content of the Adagio of Anton Bruckner’s Ninth Symphony.

Zum Adagio der Neunten Symphonie

Bruckners Gott

»Oh, the Sublime«. The Aesthetic Discourse of the Radical Right Artists with sympathies for the political right, in the widest sense, have often based a critique of modernity on aesthetic categories. Here it is notable that the central criterion was not beauty, which was the typical standard both for the academic aesthetics of the 19th century and the political left that was active in this field. Rather, the point of reference was the sublime, which was defined – rather one-sidedly – in terms of an aesthetic of overwhelming. This is shown with reference to three of the main directions in the aesthetic discourse of the right: völkisch nationalism (Lienhard, Langbehn, Kotzde), aesthetic fundamentalism (Wagner, Hofmanns­thal, ­Borchardt, Benn) and the new nationalism (Moeller van der Bruck, Ernst Jünger).

Zum ästhetischen Diskurs der radikalen Rechten

»Ach, das Erhabene«

This Side and the Other Side of the Garden: The Music Theatre of Ming Tsao Ming Tsao’s music theatre work Prosperos Garten is based on Shakespeare’s The Tempest and deals with colonial power relations as created and consolidated through language, and through associated elements of abstraction. Tsao realizes this language-critical interpretation of The Tempest with an aesthetic that, through reverse transcriptions of pre-existing historical material and complex structural sounds, integrates dissociated musical fragments, and thus also fragments of music-cultural perceptions, into the composition, interweaving them and bringing them into contact through layers of different sonic contexts. In this manner, he strives to open up possibilities for polyphonic musical subjectivity and expressivity beyond dichotomous representations.

Zum Musiktheater Ming Tsaos

Diesseits und jenseits des Gartens

The Sound Library of Michael Wollny This essay seeks to show the musical development of the unanimously critically acclaimed jazz pianist Michael Wollny. To this end, the author examines Wollny’s (jazz) piano trio output since 2005 and considers how Wollny’s idea of a ›sound library‹ manifests itself in concrete musical terms. The article reveals the manifold references to other musicians or composers, writers and film directors that run through Wollny’s music and are becoming increasingly prominent. With reference to the extraordinary wealth of outside material used on his 2014 album Weltentraum, it also asks to what extent one can speak of kitsch.

Die Klangbibliothek des Michael Wollny

Jazz

»Jazz @ 100 | Keine Heldengeschichte« in Darmstadt

Über Geschichtsschreibung und ihre Voraussetzungen

The Aging of Adorno’s Music Philosophy? This article is a review of the essay collection ­Gesellschaft im Werk. Musikphilosophie nach Adorno, edited by Richard Klein, whose texts sound out the current relevance of Adorno’s music philosophy, working both with and against Adorno. That the volume’s angle of enquiry is extremely current is clear in the fact that even today, it is impossible to practise music philosophy in Germany without positioning oneself in relation to Adorno. The review considers the individual contributions especially against the background of the relationship between aesthetics and dialectics in Adorno’s work.

Das Altern der Musikphilosophie Adornos?

Zur künstlerischen Interaktion in Jazz-Combos

Reflexionen und Zustände

Sony hat die Takes und Outtakes von Glenn Goulds früher Einspielung der Goldberg-Variationen veröffentlicht

»Ah, not bad. I’ll do it again now«

Vorerst eine Enttäuschung

Wiederholung, musikwissenschaftlich?

Musik & Ästhetik, 2018, Jg. 22, Ausgabe 86

Zur Zeit nicht lieferbar

When Music Gives Rise to Philosophical Thought Foucault As a Listener of Boulez Foucault wrote far less about music than about literature or visual art; nonetheless he repeatedly emphasised how much influence contemporary music had had on him especially that of Boulez by tearing him away from Hegelian dialectics. What Boulez shifts in Foucault&#180;s thought is not a view of art but philosophical activity itself. How can music alter the logical structuring and theoretical preconditions of thought? This article seeks to measure that influence and thus to understand the level at which philosophy and music can meet.

Foucault als Hörer von Boulez

Wenn die Musik Anlaß zum philosophischen Denken gibt

The Semantics of Textual and Musical Symmetry in Bach&#180;s Cantata »Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit« (BWV 106) This article attempts to explain the semantic structure and genesis of the earliest Bach cantatas (primarily BWV 106 but also BWV 4 and 131). The collection of texts and the musical structure especially in Actus tragicus (BWV 106) show a precise axial symmetry; the similar schemata of »outer« shaping in the cantata do not coincide with the »inner« logic of the tonal fabric however. Because of this formal profile the article seeks to interpret the semantic structure of the cantata.

Von der Semantik der textlichen und musikalischen Symmetrie der Bachkantate Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (BWV106)

Multiple Movements Within Single Movements &#8211; Single Movements Within Multiple Movements Symphonic Composition in the First Half of the 19th Century This essay argues that the formal idea of multiple movements within single movements and vice versa functioned as one possible compositional tool as early as the first half of the 19th century. Using various examples from the symphonic repertoire of the time the author shows how individual the respective realisations of this infinitely modifiable multi-dimensional formal idea are such that they resist any fixed schema such as that of »double function form« in Newman&#180;s sense. The following motives for the emergence of this formal idea are named: the growing awareness of the problems inherent in the conventional four-movement form the increasing dominance of content aesthetics the aesthetic demand for organic totality and the postulate of individuality.

Zum symphonischen Komponieren in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts

Mehrsätzigkeit in der Einsätzigkeit – Einsätzigkeit in der Mehrsätzigkeit

Cultural Policy and the Cultivation of Music: Social Impulses in the Education-Political Thought of Leo Kestenberg (1882-1962) Against the background of his biographical experiences Kestenberg&#180;s achievements for educational policy are described from a present-day perspective. We are dealing with a committed social democratic artist who caused decisive reforms in the educational policy of the 1920s that still affect the training of musical teachers to this day. It would be reductive however to view Kestenberg merely as an educational reformer. His true significance lies in his close connection of the social democratic idea of people&#180;s education and the claim of autonomous artistic values. His culture-political initiatives in Berlin set new standards and were later continued in Tel Aviv. As a European intellectual influenced by his Jewish background he embodied the union of an artist pedagogue and cultural politician.

Die sozialen Impulse im bildungspolitischen Denken Leo Kestenbergs (1882-1962)

Kulturpolitik und Musikpflege

Adorno reads Benjamin Language and Mimesis in Adorno&#180;s Theory of Musical Reproduction In his notes for a theory of musical reproduction Theodor W. Adorno made several references to the writings of Walter Benjamin. At one point as a suggestion for further investigation Adorno wrote: »Benjamins Sprachtheorie behandeln« (»deal with Benjamin&#180;s theory of language«). In spite of these references Adorno&#180;s notes do not contain a fully developed discussion of Benjamin&#180;s »Sprachtheorie« in its relation to his own theory of musical performance. This article explores this relationship by examining two central concepts of Adorno&#180;s theory of musical reproduction »language« and »mimesis«. First of all the linguistic character of music manifests itself in the musical text as the point of departure of musical performance. In Adorno&#180;s description of the musical text as »intentionslos« (non-intentional) music reminds language of its original paradisal state of »unmittelbare Mitteilbarkeit« as described in Benjamin&#180;s early essay Über Sprache überhaupt und über die Sprache des Menschen (1916). At a second level musical notation is »not simply a sign system but rather a model for imitation«. The imitative quality of musical reproduction (with its gestural connotations) finds its expression in Adorno&#180;s concept of »mimesis« and bears close resemblance to Benjamin&#180;s definition of mimesis as »unsinnliche Ähnlichkeit« (nonsensuous similarity) in: Über das mimetische Vermögen (1933). In its resistance to conceptuality the mimetic dimension of musical reproduction tries to escape the inexorable process of rationalization and to bring to life the immediate quality of the original experience. Music in this way is always »ein Abhören« an echo or remembrance of something that is no longer present.

Sprache und Mimesis in Adornos Theorie der musikalischen Reproduktion

Adorno liest Benjamin

Unspoken Knowledge Unconscious Desire: The Musical Work and Its Representation in the Light of Early Romantic Hermeneutics. With an appendix on Adorno&#180;s »Theory of Musical Reproduction« Practically unnoticed in the musical performance practice of one and a half centuries the theorists of early German Romanticism in particular Friedrich Schlegel and Novalis developed an understanding of work realisation around 1800 from which performers of musical works in the classical scene which is still largely dominated by suffocating traditionalism should draw inspiration. Essentially it is the Romantic realisation of infinite sense that should be made fruitful. It means that »every outstanding work of whatever kind knows more than it says and wants more than it knows« (Friedrich Schlegel) and consequently demands that one bring to the surface some of what the work knows without speaking and wants without knowing. As an example of this free form of work realisation the article presents the possibility of a piece that hints at a style from a different period and thus enables its historical provenance and destination to be experienced sensually. An appendix defends such an approach to works against Adorno&#180;s conservative notions of musical »reproduction«. Instead of Adorno&#180;s implicit starting question &#8211; how can the work be (re)presented meaningfully with the greatest possible fidelity to the text? &#8211; performers should ask: how can a (re)presentation of the work based on the text convey as much experience with the work as possible?

Das musikalische Werk und seine Darstellung im Lichte der frühromantischen Hermeneutik – mit einem Anhang zu Adornos Theorie der musikalischen Reproduktion

Ungesagtes Wissen unbewußtes Wollen

The »Confusion in the Basic Questions of Morality« Legal Theory After 1945 and Adorno&#180;s »Theory of Musical Reproduction« Adorno&#180;s understanding of the musical work oscillates between an apodictic rhetoric that seems to promise instructions for »true« and »correct« interpretation and a clearly relativistic hence precisely not prescriptive indeterminacy of content. These inconsistencies take on meaning in the context of the highly pronounced »confusion in the basic questions of morality« (Hannah Arendt) prevalent in post-war Germany. A comparison between the theorems of the relativist legal theorist Gustav Radbruch and Adorno&#180;s reproduction theory shows that both circle the same basal dilemma: the discrepancy between two forms of (legal and musical-interpretative) correctness. Firstly there is correctness in the sense of the musical or legal text which must be followed faithfully; but secondly a correctness in the sense of justice to society or the work which can only be achieved through an interpretative act that goes beyond the text.

Rechtstheorie nach 1945 und Adornos Theorie der musikalischen Reproduktion

Die »Verwirrung in den Elementarfragen des Moralischen«

Eldest Statesman

Resonanz

Bayreuther Theologie

Musik & Ästhetik, 2010, Jg. 14, Ausgabe 54

Ernst Jünger, am 29. März 1895 in Heidelberg geboren. 1901–1912 Schüler in Hannover, Schwarzenberg, Braunschweig u. a. 1913 Flucht in die Fremdenlegion, nach sechs Wochen auf Intervention des Vaters entlassen 1914–1918 Kriegsfreiwilliger 1918 Verleihung des Ordens »Pour le Mérite«. 1919–1923 Dienst in der Reichswehr. Veröffentlichung seines Erstlings »In Stahlgewittern«. Studium in Leipzig, 1927 Übersiedlung nach Berlin. Mitarbeit an politischen und literarischen Zeitschriften. 1936–1938 Reisen nach Brasilien und Marokko. »Afrikanische Spiele« und »Das Abenteuerliche Herz«. Übersiedlung nach Überlingen. 1939–1941 im Stab des Militärbefehlshabers Frankreich. 1944 Rückkehr Jüngers aus Paris nach Kirchhorst. 1946–1947 »Der Friede«. 1950 Übersiedlung nach Wilflingen. 1965 Abschluß der zehnbändigen »Werke«. 1966–1981 Reisen. Schiller-Gedächtnispreis. 1982 Goethe-Preis der Stadt Frankfurt/Main.1988 Mit Bundeskanzler Kohl bei den Feierlichkeiten des 25. Jahrestags des Deutsch-Französischen Vertrags. 1993 Mitterrand und Kohl in Wilflingen. 1998 Ernst Jünger stirbt in Riedlingen.

Friedrich Hielscher (1902-1990), einer der engsten politischen Weggefährten Ernst Jüngers in den 20er Jahren. Publizist, politischer Aktivist am rechten Rand des politischen Spektrums, Stifter einer heidnischen Freikirche. Hielschers Kreis war gegen den Nationalsozialismus, einzelne Mitglieder nahmen aktiv am Widerstand gegen Hitler teil.

Friedrich Hielscher, Publizist und Privatgelehrter, trat schon in seiner Schulzeit einem Freicorps bei, verweigerte sich aber der Teilnahme am Kapp-Putsch. Er studierte Jura in Berlin und Jena, gab seine Tätigkeit am Berliner Kammergericht aber nach kurzem wieder auf. Hielscher, der zu seinen Bekannten Elisabeth Förster-Nietzsche, Oswald Spengler und Theodor Heuss zählte, war einer der ersten Autoren der von Jünger mitherausgegebenen Zeitschrift »Arminius«. Von da an arbeiteten beide, wenn auch nur temporär, im Rahmen der nationalrevolutionären Publizistik zusammen. Hielschers Philosophie, die sich an der Formulierung einer »heidnischen« Theologie versuchte, mündete schon früh in die Gründung einer politisch-religiösen Sekte – der »Unabhängigen Freikirche UFK«. Aus dem epochalen Nachlass Ernst Jüngers liegt nun die Korrespondenz mit Friedrich Hielscher vor. Obwohl die intellektuelle Beziehung der beiden Männer spannungsreich war und durch »Wohlgefallen und Mißbehagen« zugleich geprägt war, setzte sich der in den Zwanziger Jahren begonnene Briefwechsel fort bis zu Hielschers Tod 1990. Dem Umfang nach nimmt die Korrespondenz einen mittleren Rang ein. Ihre Bedeutung gewinnt sie indes aus dem Umstand, dass sie zu mehr als einem Drittel aus Briefen besteht, die zwischen 1927 und 1933 gewechselt wurden, also aus jenen Jahren stammen, in denen die politische Publizistik Ernst Jüngers ihren Höhepunkt erreichte. Da andere Korrespondenzen aus der Zeit entweder als vernichtet gelten müssen oder nur mehr in Abschriften vorliegen, stellen die mit Hielscher gewechselten Briefe ein einzigartiges Dokument dar, das tiefe Einblicke in die Ideenwelt und das Beziehungsnetz ermöglicht, in denen sich Jünger zur Zeit seines intensivsten politischen Engagements bewegte. Die Herausgeber: Ina Schmidt, Jahrgang 1963, ist wissenschaftliche Mitarbeiterin im Fachbereich Soziologie der Hamburger Universität für Wirtschaft und Politik. Sie promovierte mit einer Arbeit über Friedrich Hielscher. Stefan Breuer, Jahrgang 1948, Dr. phil., ist Professor für Soziologie an der Hamburger Universität für Wirtschaft und Politik. Er veröffentlichte u. a. »Ästhetischer Fundamentalismus. Stefan George und der Deutsche Antimodernismus«. <a href="/autor/Ernst_Juenger/20">Alle Bücher von Ernst Jünger - mit den Sämtlichen Werken</a>

Die über Jahrzehnte geführte, zum ersten Mal veröffentlichte Korrespondenz Jüngers mit einem seiner interessantesten publizistischen Weggefährten. Der ausführlich und kompetent herausgegebene Briefwechsel ist ein hochinteressantes Dokument zur Ideengeschichte in Deutschland, zur Geschichte der Weimarer Republik und – nicht zuletzt – ein ergänzender Kommentar zur politischen Publizistik Ernst Jüngers.

Ernst Jünger an Friedrich Hielscher Feldpost 36235 In Stellung, 13.12.1939. Lieber Herr Hielscher! Ich hause hier in diesem Winkel Erde unter Verhältnissen, die der Feder nicht günstig sind. Daher bin ich mit allen Briefen stark im Verzug. Aus Ihrem Manuskipt »Werden und Sein« ersah ich, daß Sie einen weiten Weg zurückgelegt haben, und zwar sowohl in den Gedanken als auch im Wort. Sie gehören zu den Wenigen, die von der Souveränität des Geistes noch eine Vorstellung besitzen, ungeachtet aller Demonstrationen in der empirischen Welt. An Ihrem Stil fällt mir auf, daß in ihm die frühe Mystik durch die philosophie des 18. und 19. Jahrhunderts wie durch einen Filter hindurchgegangen ist. Sie bewegen sich daher in der direkten linie, und damit entfällt für Sie die Klippe, an der man die theologischen Bemühungen vor allem scheitern sieht. Ich meine die Wiederanknüpfung, die mich immer an den Versuch erinnert, einen zerschnittenen Nerv wieder in Funktion zu bringen, indem man seine Enden aneinanderhält. Hierin verbirgt sich auch der Hauch von Unglaubwürdigkeit, wie man ihn heute in jeder Predigt schmeckt. Dagegen finde ich in Ihrem Ausdruck die Note, in der man von bekannten und nahen Dingen spricht. Wann ich einmal in Berlin sein werde, weiß ich nicht. Ich lebe hier ganz als Eremit, zwar tätig in einer Masse von Menschen, doch nur mit technischen und ohne geistige Beziehungen. Das ist mein Opfer an diese Zeit und ihre Aufgabe, die noch im Schmerze liegt. Desto erfreulicher sollen mir in Zukunft die Stunden sein, in denen wieder eines der seltenen Gespräche mit Gleichgestellten möglich ist. Nur mit  diesen fällt mir das Sprechen leicht, so wie ein schnelles Schiff nur unterm Winde seine Art erweist. Mit herzlichem Gruß Ihr Ernst Jünger Friedrich Hielscher an Ernst Jünger Meiningen, Helenenstr. 10, den 22.12.39. Lieber Herr Jünger, ich danke Ihnen für Ihren Brief. Den Gedanken, die ich anfasse, zeigt sich die zunehmende Wärme förderlich und dienstlich; und so erhoffe ich noch mancherlei. Wer das Wirken der Götter erfahren hat, weiß freilich, daß sie nicht beschworen werden können, sondern nur gerufen, und daß sie nach ihrem Belieben kommen und gehen. Aber ich bin guter Dinge. Morgen fahren wir nach Bln, wo wir zu Neujahr hochzeiten wollen. Daß es hinter der standesamtlichen Zusammenschreibung geschieht, ist unerquicklich genug. Für den Fall, daß Sie über die Jahreswende zufällig nach Bln kommen sollten: ich wohne bei meiner Schwester (W 15, Bregenzer Str. 1., b. Frl. R.A. Hielscher). Wahrscheinlich werde ich ab Mitte Januar spätestens wieder in Meiningen sein. Im Frühjahr beabsichtige ich nach Bln oder in die Nähe Berlins zu ziehen, aus beruflichen Gründen. Ich verlasse jetzt ungern die freundliche Welt Meiningens; aber ich hoffe, daß meine neue Wohnung bessere Gelegenheit zu guten Gesprächen geben wird. Mit allen guten Wünschen für die heiligen Zwölf Nächte und das neue Jahr – ein Jahr des Trotzes und der Sicherheit – grüßt Sie herzlich Ihr Fch Hielscher Friedrich Hielscher an Ernst Jünger Potsdam, den 11.2.42. Lieber Herr Jünger, ich danke Ihnen für Ihr Tagebuch. das mir der Verlag dieser Tage zugesandt hat. Mit Anteilnahme habe ich mich dem Entziffern des Mosaiks gewidmet, bei dem, wenn ich recht gesehen habe, mancherlei Steine ausgespart worden sind, wohl bewußt um den Preis, daß die Fläche, welche das Bild beherrscht, durch das Verschweigen der Tiefe deutlich geworden [ist] und eindringlich. Nachdem Ihre Gattin an Ihrer Statt mir geantwortet hat. es sei noch keine Sendung bis zu Ihnen gelangt, habe ich sie gefragt – da wieder Päckchen durch die Feldpost nicht befördert werden –, ob ich die Ordnungen jetzt nach Kirchhorst senden soll. Meinen Brief mit derselben Frage haben Sie wohl nicht erhalten? Dies voraussetzend wiederhole ich nochmals meine guten Wünsche für Ihr Wohlergehen im neuen Jahre und bleibe mit herzlichem Gruße Ihr Fch Hielscher

Die über Jahrzehnte geführte, zum ersten Mal veröffentlichte Korrespondenz Jüngers mit einem seiner interessantesten publizistischen Weggefährten. Der ausführlich und kompetent herausgegebene Briefwechsel ist ein hochinteressantes Dokument zur Ideengeschichte in Deutschland, zur Geschichte der Weimarer Republik und – nicht zuletzt – ein ergänzender Kommentar zur politischen Publizistik Ernst Jüngers.

Briefe 1927-1985

Alle Bücher von Ernst Jünger - mit den Sämtlichen Werken

Epitaph: Xenakis (1922-2001)

One piece one form one principle. Three studies on Du Fay The first study analyzes Du Fay's motet Supremum est which he composed for the peace settlement between the German King and the Pope in 1433. The Study is analyzed with regard to the relationship between word and tone with regard to the very traditional binding nature of the form and with regard to the possibilities the musician has of including his stance toward the theme in his compositions. The second study is an attempt at an »aesthetic of the rondeau« as an essentially conservative miniature form of surprising vitality - a cleverly thought-out system of music-textual superimposition which allows the greatest possible freedom of form within a small framework and demands that freedom be noticed. The third study examines the background and explanatory competences of the altogether overvalued but nevertheless important term »varietas« - still the first markedly aesthetic term in the relevant discussion of the 15th century. Compositional questions are considered as well as those concerning a »motet consciousness « meaning an approach toward the compositional object which remains conscious of the ingredient of the commentating tropical classifying character of its own activity thus of its transitory character in relation to a »more firm« central object (cantus »firmus«). This approach finds its most immediate mode of expression in the moments alluding to the varietas form.

Drei Studien zu Du Fay

Ein Stück eine Form ein Prinzip

Konturen des rechtsextremen Musik-Netzwerkes

Gewalt Profit und Propaganda

»A pure song of hope.« On the utopian element in Luigi Nono&#180;s music Luigi Nono ranks among the most prominent artists of political composition in the 20th century. In his works of the 1960s and 1970s in particular Nono&#180;s political stance &#8211; his critical view of contemporary history his prosecution of oppression and his hope for a more humane future &#8211; became clearly and overtly evident. In his late work one frequently had difficulties to find the language that had become so typical of the determinedly political musician which had previously appeared to be so unambiguous. All too quickly one began to talk of Nono&#180;s &#8250;turn&#8249; to the private sphere to thoughts that sufficed themselves in music and in the mythical. The present text examines the musical poetry of Luigi Nono across all his creative phases using examples from utopian moments in his works as illustration. It becomes clear that these moments represent a constant element in the artistic work of the composer one which as a brace and continuum of his aesthetics can explain the changes and developments of Nono&#180;s music. The dramaturgy of reality and concrete utopias of oppression and hope of imprisonment and the yearning for freedom as are characteristic of Nono&#180;s works is the central theme that together with his historical thinking runs through Nono&#180;s music and his entire creative work. The search itself the search for transformed societal conditions the search for the opportunities of musical sound and the plumbing of the depths all experience a totally new and exceedingly close connection.

Zum Element des Utopischen in der Musik Luigi Nonos

»Ein reiner Gesang der Hoffnung«

»Music bankers.« On Richard Wagner&#180;s notion of »Jewishness in Music« This article attempts to make plausible the connection between Wagner&#180;s essay on Jewishness with his writings and his personal situation around 1869 when this text was re-published. At this time Wagner&#180;s anti-capitalistically motivated anti-Semitism was as became apparent in 1850 more strongly concentrated on the sphere of circulation: the artistic analogy to the economic dimension can be found in the realm of musical reproduction. Seen from this perspective Wagner&#180;s influential work On conducting (1869) shows a recognizably anti- Semitic subtext throughout. Wagner&#180;s situation around 1869 is comparable to that of 1850 to the extent that the author &#8211; »driven away« from Munich and into Switzerland &#8211; believed himself to be cut off from all practical possibilities of influencing the practical reception of his works. Therefore he criticized the performers coming from the Mendelssohn school by indiscriminately labeling them as »Music bankers.« He felt them to be the most influential grouping in German musical life. And he saw in them an allegedly Jewish plot of the musicians against the interpretive style which would be needed as a basis for performing his own music dramas yet would have no chance of creating an aesthetic school of interpretation. Thus Wagner&#180;s anti-Semitism which began to develop as early as 1850 upon the basis of the early works of the young Karl Marx received a second genetic boost through the connection with the rather existential and problematic nature of the aesthetics of interpretation.

Über Richard Wagners Vorstellungen vom »Judentum in der Musik«

»Musikbankiers«

Eine Sammelbesprechung

Richard Wagners Antisemitismus

Art and institution today. Or: Are institutions skirting artists? In October 2000 a symposium was organized in Stuttgart by the Akademie Schloß Solitude a center for scholarship recipients from all fields of art on the occasion of its tenth birthday. Co-organizer was the Stuttgart Institute for Foreign Affairs (ifa). The theme of the symposium was »Are institutions skirting artists? On the appropriateness of artistic practice and institutional practice today«. Curators and artists were invited to take part in order to critically investigate the relationship between contemporary art production and its institutions. This essay summarizes the results complements them with similar discussions from the print media and from other artistic localities (Lüneburg Karlsruhe etc.). The result of these discussions is that art institutions are functional provided that they allow themselves to be undermined by art and artists.

Oder: Arbeiten Institutionen an Künstlern vorbei?

Kunst und Institution heute

Representation and structure in a »Music with pictures«. Reflections on Helmut Lachenmann&#180;s music theater The central part of this essay is the analysis of two scenes from Lachenmann&#180;s music theater piece Das Mädchen mit den Schwefelhölzern (The Little Match Girl). They are analyzed in light of the question of to what extent Lachenmann&#180;s music reacts to a scenic context. Since the composer determines this solely by his text selection the analysis concentrates on the description of the interaction between the metaphorical content of these texts and particular mimetic characteristics of the music. The attempt to present the conveyance of both levels leads to a fundamental problem regarding the notion of metaphor and makes clear that Lachenmann accesses the semantic aspect through structural means. Thus as in his instrumental music an integration of the structural and aural moments of the material is achieved. The human voice proves to be of critical importance in this interaction. Its compositional re-construction as a reflection of the subject can be the starting point for further thoughts which touch upon the expansion of Lachenmann&#180;s &#8250;Hörbühne&#8249; (sound stage) into a real stage space.

Überlegungen zu Helmut Lachenmanns Musiktheater

Repräsentation und Struktur in einer »Musik mit Bildern«

Musik & Ästhetik, 2001, Jg. 5, Ausgabe 19

Der Autor rekapituliert die unterschiedlichen Narzißmus-Konzepte in der psychoanalytischen Diskussion und versucht mit Hilfe von Kohuts Konzepten des »Größen-Selbst« und der »idealisierten Elternimago« die sozialpsychologischen Topoi »autoritärer Charakter« und »narzißtische Persönlichkeit« in einen neuen theoretischen Rahmen zu stellen. Kernbergs Kritik an Kohut wird dabei auf der Basis von Margaret Mahlers Beobachtungen zurückgewiesen.Socio-psychological implications of narcissm theory The author recapitulates various conceptions of narcissism that are in psychoanalytic discussion and attempts to set up a new theoretical frame for the socio-psychological topoi »authoritarian character« and »narcissistic personality« by means of Kohut’s conceptions of the »grandiose self« and the »idealized parental imago«. Based on M. Mahler’s observations, Kernberg’s critique of Kohut is rejected.

Sozialpsychologische Implikationen der Narzißmustheorie

Der Autor hebt die erkenntnistheoretische Bedeutung von Freuds Ich-Begriff als Vermittlungsinstanz zwischen Trieb und Vernunft hervor und weist den Versuch zurück, ihn ausschließlich einer der beiden Seiten zuzuschreiben.A scrap of independence: the problems of the ego’s autonomy in Freud The author points out the epistemological importance of Freud’s notion of the ego as an intermediary between drive and reason. He overrules the attempt to ascribe it exclusively to either drive or reason.

Ein Stückchen Selbständigkeit. Das Problem der Ich-Autonomie bei Freud

Der Autor erörtert aktuelle Theorie-Entwicklungen in der Psychoanalyse (Schafer, Kohut, Hillman, Lacan) von »außen« – in ideengeschichtlicher Perspektive.

Stefan Breuer

Bücher, Übersetzungen oder Beiträge

Musik & Ästhetik, 2020, Jg. 24, Ausgabe 95

Musik & Ästhetik, 2018, Jg. 22, Ausgabe 86

Musik & Ästhetik, 2010, Jg. 14, Ausgabe 54

Briefe 1927-1985

Musik & Ästhetik, 2001, Jg. 5, Ausgabe 19

PSYCHE, 1992, Jg. 46, Ausgabe 1